Por Esmeralda Avellaneda

El arte como forma de conocer el mundo, el arte para llegar a la esencia de las cosas, el arte como autoexpresión, esas son algunas definiciones del por qué y para qué de muchos movimientos artísticos. Están también esos que hoy consideramos arte porque tenemos la distancia suficiente para desplazarlos de su categoría original: el arte como retrato, como difusión científica a través del dibujo y las ilustraciones, y como bajada de línea moral y no estética, aunque muchas veces también estética.

¿Qué hay del cuerpo en el arte? Este reseña se enfoca en lo que hay bajo la superficie. Se enfoca en los huesos.

Los cráneos y esqueletos tienen su lugar propio en la historia del arte. El interés por retratarlos comienza desde el punto de vista anatómico, en la antigüedad. Los primeros acercamientos a la anatomía del cuerpo humano y animal se dieron en Alejandría, en el Bajo Egipto, cuna de la cultura griega. Socialmente estaba aceptada la práctica de diseccionar para ver que había bajo la dermis, hasta que en la edad media esas práctica cesó.

Estos permisos vuelven con el Renacimiento (siglo XV) bajo el el grito del eterno progreso y la relevancia del saber empírico: la observación directa del cadáver es un aporte a la ciencia y se vuelve relevante en toda Europa.

Pero más allá de su función académica, el encuentro con nuestros huesos tiene su faceta sensible. Nuestros huesos son un recordatorio persistente y perseverante de nuestra fragilidad y han llevado a múltiples reflexiones sobre la existencia del hombre, la muerte, lo que nos compone y cuál es el sentido de nuestra inescapable capacidad de razonar.

Un hito de la presencia de cadáveres en el arte fueron las Vánitas, el estilo artístico que se creó durante la reforma protestante cuyo fin era debatir respecto de las prohibiciones éticas, morales y religiosas sobre el ser humano. Se considera un subgénero del bodegón o la naturaleza muerta y está cargado de simbolismo

Su etimología viene de la palabra vanidad, que viene del latín vanus, que significa «vacío». Pero refiere a la vanidad entendida no como soberbia sino como insignificancia. Se bautiza bajo ese nombre porque remite a la fragilidad de la vida y la brevedad de la existencia.

Este movimiento alentaba, ya que todos vamos a morir, a una vida estoica y ejemplar, pues, ¿qué vale esta vida tan corta que ofrece la tierra?

Se puede observar en el arte romano, barroco (donde tuvo tanta presencia que se convirtió en un género independiente), en frescos pompeyos, pero una referencia popular que quedó para la posteridad y que se ve en tantos tatuajes es el concepto de memento mori: la muerte nos llega a todos. Hay un cuadro de la época, las «danzas de la muerte», del que existen muchas versiones, donde figura un cortejo de esqueletos bailando y tocando música que acompañan a personas de los tres estamentos sociales (nobleza, clero y plebe), a su trágico final. Nos llega a to-dos.

La edad media tuvo además la desgracia de vivir una peste (la peste negra o bubónica) que liquidó a un tercio de la población, por lo que la familiaridad con la muerte y la sensación de la vida como algo frágil y efímero no le era ajeno a nadie. La iglesia tampoco permitió que esto se olvide. Es un movimiento presente en el arte plástico pero también la escultura, grabados, en la arquitectura y hasta en la orfebrería. Entre los siglos XVI y XVII eran muy corrientes un tipo de colgantes llamados memento mori con forma de ataúd que al abrirlos aparecía un esqueleto.

Sin embargo, existe una visión más romántica de lo óseo. La calavera es el ser humano desnudo, en su mínima expresión. Es el ser humano como igual, tanto en parecer como ante la muerte. Reducido a sus huesos, no hay raza o la clase social que valga. Es una invitación a reflexionar porque es un estímulo que nos deja vulnerables.

Cézanne en su época tardía pintó numerosas vanitas con calaveras. Van Gogh tiene sus propias versiones a lo largo de su recorrido.

Y ni hablar de los imaginarios que existen alrededor del tema. Hay una imagen, que si bien es literaria es también performática y la conocemos todos, que es la de Hamlet negociando con su existencia, mirando de frente a una calavera, preguntándose si ser o no ser. La cercanía de la muerte, su presencia en nuestra cotidianidad, conecta con un tropo que es común a toda la humanidad.

Las obras de Esto No Es Una Galería no escapan el canon. Descriptir describe la intención de su arte como la búsqueda por plasmar las pulsiones más personales, para que quien lo mira transite lugares nuevos. Las curvas de sus figuras abstractas, las cavidades, los colores y sus giros repentinos nos llevan a detalles de nuestro cuerpo, de lo que hay debajo de eso que somos.

Por Esmeralda Avellaneda

En un retrato predomina el rostro y su expresión. Esta definición básica y más bien taxativa, más o menos, se sostuvo a través de los años. Pero su función y el rol en la sociedad mutó. Según la época, el objetivo del retrato osciló entre su búsqueda por obtener la mayor semejanza posible con su original, la demostración de status, plasmar un tipo de personalidad o llevar al frente la expresión de una persona para entrever un rasgo más universal. 

Los primeros retratos a los que tenemos acceso son los retratos funerarios del antiguo Egipto, en el distrito de Fayum. Son los únicos retratos de la era Romana que han sobrevivido hasta nuestros días por la cera utilizada en la pintura que les permitió resistir al tiempo. Estos retratan gobernantes y dioses sobre los sarcófagos que contenían a las momias. Desde ese entonces y por un largo período de tiempo, el retrato se enfocó en mostrar la semejanza a la persona en la mayor medida de lo posible hasta, casi puede decirse, el Renacimiento.

En el medio, y obviando el uso de retratos para las monedas y el dinero, hubo matices. En la edad media, ante la falta de fotografía, se usaban retratos para difundir imágenes de reyes, reinas, muchas veces con interés matrimonial, por ende a veces distorsionando esa semejanza. 

Enrique VIII fue un rey Inglés que aceptó como cuarta esposa a la Duquesa Ana de Cleves, que poseía una inteligencia admirable, pero ante todo, cuyo retrato mostraba una mujer alta, esbelta y aceptablemente agraciada. Cualidades que Enrique no reconoció al verla personalmente, al punto de “no poder amarla” por sus cicatrices de viruela y falta de atractivo. A los 180 días, se había divorciado. De la misma manera, en otras ocasiones lo importante era mostrar la grandeza de un duque, que su porte demuestre cualidades extraordinarias, riquezas inimaginables. En definitiva: status.

El Renacimiento supuso una renovación del retrato pintado: el cambio en la sociedad y en las ideas en las que la religión pierde peso y la figura del hombre vuelve a tener protagonismo, reivindicaron este formato. Lo que supo ser para pocos y selectos, pasó a realizarse en privado como tema independiente.  Los retratos sobre medallas se hicieron populares, hechos al antiguo estilo de XIX de Pisanello. Circularon los retratos miniatura entre las cortes, por supuesto con intereses matrimoniales. Pero luego, el interés creciente por la comprensión de los sentimientos humanos llevó a querer explorar la fisionomía de las emociones. 

Es durante el siglo XIX que el retrato pasa por las representaciones neoclásicas como las de Ingres y Jean Louis David, las de personajes heroicos con iluminaciones dramáticas de los románticos, Delacroix y Goya en España, la representación objetiva de los realistas, como Corot y los retratos cotidianos y de familiares cercanos de los impresionistas como Monet, Renoir y Degas. Estos últimos retratos presentan a menudo un carácter intimista, alejado del retrato oficial. No se busca expresar la realidad tal cual es, sino tal cual la percibimos. Busca transmitir la emoción detrás de lo que se ve. 

Pero con el siglo XX y las primeras vanguardias, el retrato comienza a perderse en lo abstracto. Comienza a predominar el color en los fauvistas, la fragmentación y deconstrucción en los cubistas y el delirio del surrealismo. El retrato se va perdiendo al soltar las vanguardias cualquier tipo de interés en la semejanza visual. Matisse había simplificado la línea, Picasso había hecho retratos cubistas, pero a mediados de siglo el arte no figurativo corrió al retrato totalmente de escena. 

Hasta que el Arte Pop en los 60 y sus retratos seriados de actrices, personajes de cómic y políticos lo reinsertan. Hasta llegar al día de hoy, en el que el retrato, con todo el peso de lo ya explorado, el camino recorrido y las potencialidades que conlleva, no se ha vuelto para nada obsoleto sino que, por el contrario, lo vemos presente en el arte contemporáneo como una forma de introspección de cada artista. Ya sea desde el ojo indagador de Valeria Bruni, que se aproxima a él en su sentido más realista, aunque con un uso de colores que se arriman a un expresionismo, como desde la perspectiva de Nika Señora, quien a través de una tipificación propia de la morfología de un rostro, se destaca por un trato lúdico de retratos ya conocidos para resignificarlos a través de su mirada, como lo hace con La Gioconda.

Hasta llegar a un arte como el de Mónica F. Carvajal, que contempla el retrato desde un plano metafórico en el que lo parte, lo deconstruye, o hasta hace el retrato de un retrato sin rostro solo para prenderlo fuego.